Tu obra se asocia a una sensibilidad naíf, marcada por la espontaneidad y la exploración personal. ¿Cómo construyes ese universo visual donde lo cotidiano, lo simbólico y lo autobiográfico se entrelazan?

La construcción de mi imaginario comenzó de forma orgánica, utilizando las herramientas y materiales que tenía a la mano. Al principio, como arquitecta y amante de la teoría, sentía la necesidad de que cada pieza tuviera un fundamento de proyecto riguroso, en ese sentido era muy poco lo que lograba hacer, invertía tanto tiempo y energía en el fundamento que casi no creaba obra. Sin embargo, mi búsqueda se volvió realmente fascinante cuando logré liberarme de ese peso y me permití, simplemente, hacer.

Al comenzar a exponer, noté que mi trabajo transmitía calidez y calma. Fue entonces cuando alguien definió mi obra como 'arte naíf'. Al investigar esta corriente, descubrí un espacio donde mi trabajo encajaba perfectamente y, sobre todo, donde me sentía libre. Entender el concepto de lo naíf me liberó de la presión de alcanzar una técnica académica perfecta y me permitió enfocarme en lo que realmente me importa: el comunicar y el proceso.

Desde entonces, mi universo visual se construye desde la experimentación. Ya no me limito a un solo medio; mezclo acuarela, acrílico, fotografía e hilo sin miedo al resultado final. Mi enfoque está en lo que aprendo mientras creo, permitiendo que lo cotidiano y lo autobiográfico se entrelacen de forma espontánea, priorizando la emoción y el mensaje sobre la perfección formal.

El acto de bordar implica repetición, tiempo y una relación directa con el cuerpo. ¿De qué manera la lentitud de la puntada y el gesto manual influyen en la intensidad narrativa y emocional de tus obras?

La relación entre el cuerpo, las emociones y la intensidad de la obra reside en los ritmos y ritos. El acto de bordar no es azaroso; es la consecuencia de una intención clara, de un estudio previo y del aprendizaje constante a través del ensayo y error.

A menudo, al intervenir una fotografía, construyo gestos muy sutiles. A veces, al terminar, me cuestiono si debí hacer el trazo más evidente, usando hilos más gruesos o colores más intensos para marcar con más fuerza el gesto manual. Sin embargo, he comprendido que muchas puntadas están diseñadas para perderse en la imagen a primera vista; solo cuando el espectador se acerca, logra descubrir el hilo. Ese es, precisamente, el ritmo que busco: una narrativa donde nada es del todo explícito. La lentitud de la puntada me permite crear en su justa medida, invitando a quien observa a detenerse y descubrir, poco a poco, los detalles ocultos en la trama.

Has participado en exposiciones colectivas tanto en Chile como en otros países de América Latina. ¿Qué diálogos se generan entre tu contexto local, tus experiencias de viaje y la forma en que se recibe tu trabajo en distintos territorios?

Exponer es siempre un ejercicio interesante, especialmente cuando implica viajar, explorar nuevos territorios y conectar con otros artistas y comunidades. Me sorprende gratamente cómo personas de distintos contextos conectan con mi obra —tanto con mis pinturas como con mis fotografías bordadas— de una manera profundamente emotiva.

He podido observar que mis piezas logran tocar las fibras sensibles de la memoria y los recuerdos personales, independientemente del lugar donde se exhiban. En este sentido, las instancias de exposición y las invitaciones a conversar sobre mi proceso, como esta entrevista, son motores fundamentales en mi carrera. Para mí, esa conexión con el público en diferentes territorios es la señal más clara de que debo seguir profundizando en este camino.

Pensando en el futuro de tu práctica artística, ¿qué nuevos materiales, formatos o cruces disciplinares te interesa explorar para seguir expandiendo tu lenguaje creativo?

Mi voluntad de búsqueda es infinita. En lo que respecta al fotobordado, siento que apenas estoy comenzando un largo viaje; inicié con piezas en miniatura de 10x10 cm, creadas literalmente 'en tránsito', y poco a poco he ido ampliando la escala.

Hacia adelante, me interesa explorar nuevos formatos y materiales, como el bordado con fibras orgánicas, y continuar realizando colaboraciones con otros fotógrafos y artistas. Estos cruces me obligan a estudiar nuevos lenguajes visuales y mantienen viva la interdisciplina que tanto valoro.

Finalmente, contarles que tengo unas ganas locas de embarcarme en un proyecto editorial. Me entusiasma la idea de crear un objeto libro que permita un diálogo formal entre mis textos, mi fotografía y mis bordados, consolidando así todas las facetas de mi narrativa personal.

Finalmente, tu obra parece invitar a detenerse, observar y reconstruir la experiencia desde lo sensible. En un contexto de aceleración permanente, ¿qué lugar crees que ocupa hoy el gesto manual y lo íntimo dentro del arte contemporáneo?

En un contexto donde la vida se rige por una dinámica acelerada de avance y producción, y donde las tendencias digitales y la IA ganan cada vez más terreno, sentarnos a crear desde el oficio manual y desde las emociones que nos habitan es un acto de resistencia, absolutamente necesario y urgente.

Creo que el gesto manual y lo íntimo ocupan hoy un lugar fundamental en el arte contemporáneo: el de devolvernos al presente. Frente a lo efímero de la pantalla, la puntada ofrece una materialidad que requiere tiempo y presencia. Es una invitación a recuperar nuestra humanidad a través de la pausa, reivindicando el valor de lo sensible como una forma legítima y poderosa de habitar el mundo actual.